En el escenario, la gente necesita verte y oírte desde lejos, y tienes que atenderlo. La película es diferente. Puedes hablar como lo harías, y tu lenguaje corporal puede permanecer sutil. La cámara lo verá, incluso si se trata de un leve entrecerrar los ojos. Sin embargo, debes estar atento a dónde está apuntando la cámara. Por lo general, debe “golpear sus marcas”, caminando exactamente hacia donde un pedazo de cinta está pegado al suelo, pero a veces, especialmente para los primeros planos, debe mantener la cabeza en una posición poco natural.
En cualquier caso, no puedes perderte completamente en la ilusión que estás tratando de crear. Cuanto más capacitado esté para realizar estas adaptaciones sin pensar, más natural será el resto de su desempeño.
Una actuación será más natural cuanto mejor conozcas a tu personaje. Si está representando a un personaje que es exactamente igual a usted, entonces es probable que su actuación parezca mucho más natural, especialmente de un actor sin entrenamiento.
La clave para actuar no es pensar en actuar. Nunca le digas a un actor que “diga una línea como esta” o que “tenga una emoción”. Tienes que pensar como el personaje que retratas y no pensar en tu apariencia externa. Existe este término, “vulnerabilidad”, a menudo utilizado por los entrenadores en funciones. Eso se refiere a la pérdida de preocupación de cómo se percibe.
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Si no estás “tratando de parecer triste”, y en realidad ESTÁS triste, tu tristeza parecerá mucho más natural. Incluso puede obtener lágrimas reales. Un actor es vulnerable cuando confía en que su desempeño parecerá genuino si permanece en la mentalidad del personaje.
Se necesita coraje para NO TRATAR de aparecer de cierta manera, especialmente si se trata de una cultura en la que mantener una fachada social es el status quo. Tenga en cuenta que “sentir realmente” las emociones poderosas pueden ser fácilmente agotadoras, y creo que un actor necesitará un par de horas de descanso si las ha tenido llorando durante media hora. Podrían hacerse fácilmente por el día. Usted o su director asistente deben cuidar de sus actores de esta manera.
Otro método estándar para obtener actuaciones naturales es hacer una escena significativamente más larga de lo necesario. Si desea un par de líneas de un diálogo largo desde un cierto ángulo, no grabe solo esas líneas. Haga que el actor haga toda la escena, o una gran parte de ella, desde ese ángulo. Permanecer en el momento ayudará considerablemente. También es posible que puedas ir con una línea desde un ángulo inesperado, o incluso simplemente mostrar la reacción de otro personaje, porque el rendimiento durante esa línea fue muy bueno.
Además, hay muchos “trucos del oficio”. Hay cosas que un actor y un director pueden hacer antes y durante una actuación.
Como mínimo, un actor debe conocer el guión hacia atrás y hacia delante antes de los ensayos. Igualmente importante es algo que se llama análisis de script. Un actor debe repasar cada línea de un guión y pensar en el significado detrás de cada línea. ¿Por qué se dice la línea y cómo reaccionan los otros personajes? ¿Cómo quiere su personaje que reaccionen? Cuando un objeto se introduce en el personaje, ¿cómo se les aparece ese objeto? ¿Habría alguna conexión? ¿Alguna expectativa que les pasaría por la cabeza?
Los antecedentes de un personaje son extremadamente importantes, y es responsabilidad del director llenar los vacíos que quedan en el guión. Y es responsabilidad del actor llenar esos vacíos aún más a medida que visualizan los recuerdos falsos, internalizándolos hasta que parecen reales.
A veces es necesario modificar el script. Si una línea parece particularmente incómoda para un actor, especialmente cuando tienen en mente la mentalidad de su personaje, esa es una señal para mí de que es necesario cambiar la línea. Normalmente es muy fácil para ellos sugerir algunas alternativas mejores en el lugar. Y, por supuesto, a veces es necesario volver a trabajar el diálogo de manera más significativa, especialmente si un actor tiene problemas para creer que diría lo que hace, o que se les dirá algo a ellos.
Si aún falta la actuación de un actor, incluso con una comprensión clara del contexto, un director puede sugerir motivaciones para que el actor trabaje. Tal vez le sugiera a un actor que esta es la tercera vez que intentan convencer a alguien de su punto. O tal vez diré que están preocupados por una posible respuesta violenta. O tal vez sugiero que perdieron a alguien de la misma manera, y que todavía está fresco en su mente. Entonces, si eso no funciona, probaré diferentes enfoques. Si estoy perdido, a veces le pido al actor que haga una “elección diferente”, lo que básicamente significa que tienen su propio aumento de contexto. Cambia el cuestionario emergente de una pregunta de ensayo a una opción múltiple, especialmente útil para un director que tiene muchas otras inquietudes y un tiempo de grabación cada vez menor.
Luego está la estrategia de la distracción. Cuando una actuación parece rígida, generalmente significa que están tratando de aparecer de cierta manera. Tienes que hacer que dejen de pensar en cómo se ven y hacer que piensen en lo que están haciendo y diciendo. A menudo me parece que simplemente decirle a la gente que piense acerca de lo que dicen ayuda mucho. Naturalmente, agregan los cambios en la entonación, las pausas y el lenguaje corporal que uno esperaría cuando a alguien “se le ocurrieran las palabras”. Ya no parece que alguien esté leyendo monótonamente de un guión. Cuando eso no es suficiente, puedes intentar agregar cosas para que haga un actor. Haga que se muevan o jueguen con un bolígrafo en las manos o mastiquen algo. Tenga en cuenta la bolsa de pretzels:
La interacción es otra estrategia. Nada “distrae” a un actor más que los ojos de otro actor. Pídales que mantengan la línea visual con otro actor, incluso si ese otro actor está fuera de cámara. Incluso puede hacer que el otro actor entregue las líneas antes y después de un primer plano. Les digo a mis actores que escuchen con atención lo que los otros personajes les están diciendo y que piensen qué significa para ellos. Un buen ejercicio es ver a un grupo de personas conversar en un restaurante. La gente no está esperando su turno. Puedes decir que varias personas quieren reaccionar a lo que se dice, mientras se dice. La gente se corta. La gente se pone hiperactiva. La conversación se acelera y disminuye, como las mareas. El lenguaje corporal a veces es suficiente para hacer un punto. Debe alcanzarse un equilibrio, con respeto a la edición. Si hay personas que hablan entre ellas, se hace difícil obtener una línea desde un ángulo y otra línea desde un ángulo diferente. Puede encerrarlo, para bien o para mal, en el mismo ángulo para toda la conversación. Pero es más natural.
Algunos actores son buenos para la improvisación, y en realidad tienen las propias palabras. Ciertamente, esto no sería nada como leer un script, porque no hay ningún script. El principal problema con esto es que terminas muy restringido durante la edición, no pudiendo emparejar fácilmente las tomas de tomas juntas, porque los labios estarían diciendo algo diferente en cada toma. Si tuviera otra de la misma cámara, me encantaría grabar mejoras con múltiples ángulos para ciertas escenas, permitiendo mucha más flexibilidad para hacer al menos un disparo de reversa durante una toma de improvisación. Es otra estrategia.
En última instancia, la mejor manera de obtener un rendimiento natural de sus actores es hacer su debida diligencia durante el casting. Haz muchas audiciones y encuentra lo mejor de lo mejor. Haga que hagan monólogos relevantes para ver qué pueden hacer. Si alguien se ve perfecto para un papel pero está “bien”, recuerde que un director no es un entrenador interino. Puedes cambiar un poco el rendimiento, pero para cualquier cambio significativo, te llevará mucho tiempo. Incluso si te las arreglas para hacerlo bien en el ensayo, eso no significa que no olvidarán mucho de lo que has logrado cuando comienza el rodaje. Una escena puede durar el doble o más si los actores carecen de experiencia, e incluso así, no alcanzará las alturas que un gran actor podría alcanzar.
Nota: Las imágenes son de mi cortometraje, actualmente en postproducción, The Cheshire Cache.